En esta mini-guía os traigo unos conceptos básicos para ser un buen productor, o al menos, ser productor, estarán aplicados al ámbito de la música
electrónica, pero son útiles para mas géneros la mayoría de los consejos.
1º – La escala: Lo fundamental a la hora de componer un tema es hacer que todo este “in key”. ¿Que es esto? Si no sois músicos, cosa que no impide producir, es lógico que no
sepáis esto, así que intentaré explicar lo mas básico y “for dummies”.
Lo que realmente deberéis dominar son las Escalas Diatónicas, en la actualidad se utilizan 24, 12 están en modo mayor y las otras 12 son sus escalas relativas en modo menor. ¿Que
es una escala relativa? Es una escala que contiene las mismas notas pero están dispuestas de distinta manera. No le daré importancia a esto último, ya que se podría decir que es casi lo mismo.
Una escala contiene 7 notas.
Como es lógico, todo en una canción debe estar en la misma escala para que suene bien y no esté fuera de tono.
2º - Los acordes: Existen varios tipos de acordes, en internet existen millones de sitios donde ver cuales son y aprender todo sobre ellos, la única
condición es que sean tres o mas notas diferentes que suenen a la vez. El único consejo que os daré en este aspecto es que nunca pongáis dos notas seguidas en el mismo
acorde, es decir, si estamos trabajando en La Menor (compuesta por La, Si, Do, Re, Mi, Fa, Sol) no utilicéis en el mismo acorde, por ejemplo, La y Si, si están en la misma octava, ya que
crea un sonido un poco extraño y posiblemente no será lo que busquéis.
3º – Estructura: No es algo que sea obligatorio, pero la mayoría de la música electrónica tiene estructuraciones muy similares, y cada 4 compases aparecen
mas elementos y cambian cosas, personalmente, aconsejo no probar a cambiar este tipo de cosas, arrastráis un tema del género que vayáis a producir y “copiáis” la estructuración, ya que si hacéis
algo raro posiblemente los DJs hagan un caos al mezclar el tema y opten por no pincharlo.
4º – Composición: Compón melodías simples, pegadizas, añádele variaciones según el transcurso y crea composiciones para el acompañamiento. Procura que no sea todo el rato lo
mismo pero que no sea algo totalmente distinto cada cuatro compases. Si tienes estudios musicales, olvídate de este punto y haz lo que te de la gana.
5º – Instrumentación: Quizá sea mas importante la calidad de los sintetizadores o samples de instrumentos que utilices que la propia composición musical del
tema. Un ejemplo practico, si producís con FL Studio, para poner pianos en un tema, no utilicéis el FL Keys, comprad el Kontakt y la expansión “Alice’s Keys”, la cual está compuesta de
grabaciones en altísima calidad de un piano y con todos los detalles minuciosamente cuidados, lo mismo se aplica para el resto de instrumentos.
No crees tus propios sonidos a no ser que sepas hacerlo muy bien, coje presets y capealos (crear un sonido con varios sintetizadores que reproducen la misma secuencia de notas),
edítalos, automatízalos…
6º – Automatizaciones: Otro aspecto a tener en cuenta es crear automatizaciones. Básicamente sirven para que a medida que avance la canción, puedas modificar cualquier
parámetro de cualquier plugin o sintetizador, por ejemplo, aumentar un reverb, un delay, modificar las frecuencias de un filtro, cambiar el volumen o incluso el pitch. Con las
automatizaciones puedes cambiar todo lo que se te ocurra, hasta cambiar el propio tempo del proyecto a medida que avanza (recomiendo hacerlo al final, ya que consume muchísimos recursos
y hace prácticamente imposible seguir produciendo).
7º – FX: Los efectos también son muy importantes a la hora de producir un tema, aunque suelen hacerse contra el final. Existen numerosas librerías, tanto
gratuitas como de pago en las cuales podrás encontrar FX para bajones, subidones, o incluso crear la atmósfera.
También puedes añadir algunos plugins en el mixer que sirven para crear efectos, de todo tipo, reverbs, delays, compresores, flangers, phasers, reverses, backspins, distorsiones,
gates, sidechains… Existen todo tipo de efectos en diferentes plugins.
Otra técnica que se utiliza mucho es poner cimbales revertidos al final de cada 16 compases, para añadir energía al cambio, también se suelen añadir crashes y varios samples mas,
¿por que no probáis a cojer el sinte que entra justo después solo con la primera nota y muchísimo reverb, exportarlo en una pista (únicamente el sinte con el reverb), importar lo que acabáis de
exportar, ponerlo al reves y utilizarlo junto a los “reverse cymbals”? Es un truco que se utiliza mucho para introducir synths o vocales.
8º – Atmosfera: Para que una canción suene realmente bien hay que crear una atmósfera con mas sintetizadores o instrumentos muy bajos, con el objetivo de crear un
ambiente para que no esté la instrumentación sola. Puedes utilizar samples de “crowds”, pads, reverses, todo lo que se te ocurra. También puedes crear capas únicamente con los
sintetizadores y mucho reverb con muy poco volumen, para dar la sensación de que los sintetizadores son realmente gordos. Este ultimo truco lo utiliza Deniz Koyu en Ruby:
9º – La Mezcla: Si tenemos todo lo anterior pero no está bien mezclado, lo que obtenemos es un bodrio. Sonarán cosas muy altas que no son importantes, que taparán cosas
importantes. Las mezclas son algo realmente complejo, especialmente si se trabaja con vocales. Mi consejo es que tengáis unos buenos monitores en los que podáis apreciar
realmente como suena todo, pero como la mayoría no los tendréis, cuando creáis que algo suena alto, bajarle el volumen y si pierde fuerza, en vez de bajarle el volumen ponedle un compresor (lo
que hace un compresor es bajar lo que está mas alto y subir lo que está mas bajo en un canal, de este modo, si tenemos un reverb, parecerá que hemos aumentado el reverb).
La mezcla no son solo volúmenes, a la hora de mezclar tienes que hacer que todo suene como realmente quieres que suene, espacia los diferentes elementos que utilices en tu
producción añadiéndoles delays de espacio. Ecualiza todo cortando las frecuencias que tapen otras cosas, (como por ejemplo a la hora de mezclar un bombo con un bajo, si el bajo no tiene
sidechain, lo mas probable es que uno tape al otro).
10º – Mastering: El mastering se debe hacer una vez hecha la mezcla y básicamente consiste en ecualizar, comprimir, limitar, restaurar (si por ejemplo hay
clicks o distorsion) y buscar claridad y separación entre instrumentos, entre otras cosas. El mejor mastering es el que no se hace, una mezcla ideal no requiere que tengamos
que ecualizar algo o comprimir algo en el master. Sin embargo, la mayoría de las veces no habrá monitores lo suficientemente buenos, por lo que habrá que dar el toque final.
También es importante la dinámica, en el break no debe ser tan fuerte como en el drop, el drop tiene que transmitir muchísima mas energía que el break. El rango dinámico se
puede controlar mediante la compresión y limitación. Yo, personalmente os recomiendo utilizar los plugins de iZotope Ozone 5 para el master.
Esto sería muy brevemente lo que hay que hacer para ser productor, por ultimo, una vez aclarados estos conceptos, escucha temas de otros y fíjate en los pequeños
detalles que tienen sus temas, que marcan la diferencia entre un tema mediocre que cualquiera produciría y un hit al alcance de muy pocos.
No os desaniméis con el master ni con la mezcla, existen empresas que venden esos servicios. Existen muchísimos tutoriales por internet que explican mas detalladamente cada uno
de estos apartados, por si no os ha quedado claro alguno. También podéis intentar hacer remakes de canciones para aprender y luego aplicar los conceptos a vuestros propios temas.
Un último consejo es que cuando os saturéis, dejéis de producir, y os pongáis a hacer otra cosa totalmente distinta, dar un paseo o daros una ducha para despejar un poco. Cuando creáis que
tenéis acabado el track, guardadlo y exportadlo, esperar un par de días y volver a oirlo, detectaréis un montón de cosas que querréis cambiar.
